对话MoMA“后-概念艺术”策展人 Pt.4

Emily Roysdon, “Sense and Sense” (2010)

CW：[指着Downsbrough的雕塑]我还跟别人说呢，说我丈夫一定会径直走向那些木棒然后掰一块下来。

DP：谢天谢地那只是两根木棒。

CW：是，很容易立起来...但是如果发生了损坏，当它被重新安装时是不是就应该看成一件新作品了？

DP：实际上这些木棒就是我们出去购买的。我们买了这个作品的说明书，和执行操作权；我们出去买了这些木棒，来符合这个设计的要求。

CW：就像索尔·勒维特(Sol LeWitt)一样。

DP：可以在别的空间里实现这个作品，高天花板，矮天花板，等等。只要这两个结构是明确的。

CW：他明确强调了在这两个结构间的空间？

DP：是的，两个结构间的空间，木棒的直径，木棒的交错。

CW：好的，所以我觉得这正是MoMA在做的另外一件事情：探索如何收藏没那么有形的东西。你们没有购买东西，而是一个想法，一个概念。尽管Downsbrough并没有将自己看做概念艺术家。但你们购买说明书的想法是一样的。

DP：这在接下来的凯奇展中也是一样的，我们安放了劳伦斯·韦尔(Lawrence Weiner)的作品，“Gloss white lacquer, sprayed for 2 minutes at 40lb pressure directly”。这个作品只是指南，或者文字，描述如何实现这个作品。如果具体执行要取决于具体的操作。

CW：接下来我们谈谈Emily Roysdon的作品“Sense and Sense”。我之所以想谈谈这个是因为我觉得MoMA，还有另外一些在做“后-概念艺术”的机构，都在试图收购更多的时间性艺术品。

EP：我们有一个媒介表演艺术部门。因此我们大多数表演性作品都是通过这个部门收藏。对于混合实践的艺术家来说，Emily Roysdon是个很好的范例。她创作艺术，编舞，写作，策展——

CW：很多艺术家都这么做：看起来这是一个持续扩张的主题。

EP：是的，我认为这某种程度上是当代艺术的风向标。跨越门类的界限。

CW：我认为从80年代以后的艺术，已经越来越具有合作性和跨界性。

EP：是的。

DP：展览中还有两件大型绘画装置作品，同样也融合了其他媒介，比如查尔斯·盖恩斯(Charles Gaines)这件作品就是我们两个部门联合购买的。因此，这幅画和视频是一件作品，但是由我们两个部门分别购买。同样，马特·穆里肯(Matt Mullican)的作品也是由绘画雕塑部购买，但也包含有视频影像。

（未完待续）

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