【资讯】专访 | 罗妮·霍恩：黑暗如另一种形式的光，滋养内心的荒野

日期：2019/1/3 至 2019/1/3

2018年豪瑟沃斯香港“罗妮·霍恩”展览现场图

（摄影：JJYPHOTO）

11月27日，美国艺术家罗妮·霍恩回顾展于豪瑟沃斯香港开幕。作为艺术家于大中华地区的首次个展，展览集结了艺术家自1983年来创作的30余件作品，以纸上作品、摄影、装置与雕塑等多种形式，向观众讲述艺术家独一无二的艺术实践。

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▲「她是谁？」

“我一直都不愿意通过任何事物来界定自己。”（I’ve always preferred not to be anything.）

—— 罗妮·霍恩（Roni Horn）

罗妮·霍恩《死亡的猫头鹰 V. 3》（Dead Owl, V. 3），2014-2015年（摄影：Genevieve Hanson）

熟悉罗妮·霍恩的人都知道，她的身份从来无法用简单的几个名词进行界定。1955年，罗妮·霍恩出生于纽约，先后毕业于罗德岛设计学院与耶鲁大学雕塑系。在长达40余年的艺术生涯中，其创作从自然、文学、材质中汲取灵感，涉及到了绘画、摄影、雕塑及装置等多种形式。

罗妮·霍恩《她，她，她，还有她（7）》，64张黑白照片、感光乳剂纸上、同一架框，整体：244×244cm、每件30.5×30.5cm，2002-2003年

作为当今全球最独特的多面艺术家之一，罗妮·霍恩不仅是各大艺博会上藏家们热捧的“宠儿”，她也曾在巴黎蓬皮杜中心、惠特尼美国艺术博物馆、伦敦泰特现代美术馆等地举办过个人展览，其作品也在德国卡塞尔文献展（1992年）与威尼斯双年展中惊艳亮相。

罗妮·霍恩《白色狄金森：最触不到的事物是最具粘性的》，实心铸造白色塑料、铝，229.2×5×5cm（共3版），2006-2007年

罗妮·霍恩《Black Asphere》，1988年

2013年，她荣获第四届胡安·米罗奖（Joan Miró Prize）。在评审委员会眼中，她的作品同胡安·米罗一样，具有“无尽延展的可能”。罗妮·霍恩从不间断地从个人与世界的联系出发，利用认知与沟通的手法，为世界范围内的受众带去各种深刻的记忆。

罗妮·霍恩《无题，第16号》，颜料、印刷，55.9×55.9cm（每部分），2018年

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▲「向北之境」

如果说每一位杰出的艺术家心中都有独属于自己的“缪斯”，那对罗妮·霍恩而言，从创作伊始，她的“缪斯”就是那片纯净而神秘的土地——冰岛。上世纪70年代，因为廉价的机票，年轻的背包客们都喜欢从冰岛转机，前往其它欧洲城市。1975年，从罗德岛设计学院毕业的霍恩，也选择去冰岛完成自己的毕业旅行。

罗妮·霍恩《Clowd and Cloun (Gray)》，“the Clouns”：68×68cm、“the Clowds”：68×89cm、整体：312.4×703.6cm，2000-2001年

这是她第一次出国旅行，但立刻就被这里独有的北欧景观与气候所深深地吸引。没有任何地方能像冰岛一样重要，对罗妮·霍恩来说，那里就是她的精神家园。从耶鲁大学毕业后，怀揣着学校授予的旅游奖学金，再一次骑着摩托车，继续她的冰岛之行。

罗妮·霍恩《Still Water（The River Thames, for Example）》（局部细节），1999年

冰岛孤寂的气质与繁华的纽约大不相同，这激发了罗妮·霍恩从未有过的创造力。她像一名隐士独自生活在这里，变幻莫测的气候、漫长的黑夜、深邃的海洋让都让她从自然出发，感受到了潜意识内的渴望。1990年，霍恩发行了《远方》（To Place）系列的第一本图书，探索她与冰岛的关系。

罗妮·霍恩《你是天气》（You are the Weather）（局部细节），64张彩色合剂冲印、36张明胶银版冲印，26.5×21.4cm每件，1994-1995年

罗妮·霍恩以一种冷静的镜头语言，探索冰川、岩石、海洋中浩瀚深厚的蕴意，这一系列作品被她视为“进入所有创作的入口”。观众不仅从中重新认识了冰岛，更在霍恩的引领之下建立了人类与自然的冥想与对话。

罗妮·霍恩《水的疑惑（哪里）》（Doubt by Water（Where）），2003-2004年，2004年于美国纽约的惠特尼双年展（Whitney Biennial）现场。

而在人迹罕至的小镇斯蒂基斯霍尔米中，罗妮·霍恩以《水之博物馆》（Library of Water）作为她对冰岛的馈赠。在空置的图书馆中，24根盛着从快速消融中的冰川收集来的冰水的圆柱，将冰岛特有的自然资源又一次实现了转化。

罗妮·霍恩“水之博物馆”中的作品《Water, Selected》，永久装置，2003/2007年（摄影：Stefan Altenburger）

芭莎：冰岛对你而言具有怎样的意义？

罗妮·霍恩：更深入地讲，对我而言最重要的是“北方”（North）的概念，例如西伯利亚和北极。向北方迁徙是我的本性使然，孤独、空旷的空间，微妙的光和沉寂的时间，深深吸引着我。当我向北时，有时是白色的，有时却是黑暗的，而黑暗让我不再被表面的视觉感受牵引。黑暗打开了内部的空间，释放了无限的可能性——因此，黑暗实际上是另一种形式的光，它滋养着我内心的荒野。

芭莎：除了冰岛，还有哪些国家或地区能够吸引你？

罗妮·霍恩：从某些层面来讲，沙漠与岛屿也产生了强烈的吸引力。冰与沙呈现了两个极端的概念，同质性与排他性在它们身上相互作用，沙漠的一览无余与岛屿的与世隔绝是既矛盾又一体的存在。

罗妮·霍恩“水之博物馆”中的作品《Water, Selected》（局部细节），永久装置，2003/2007年（摄影：Stefan Altenburger）

动物向南迁徙，而罗妮·霍恩对遥远的北方情有独钟。白昼与黑夜的更替，像夺目的极光一样，释放出她内心的声音。直到现在，她依旧每年频繁往返于纽约与雷克雅未克（冰岛首都）的工作室中，无论她的创作走得多远，她都需要回归自己的精神故乡。心理上的安全感使她的作品不管以何种形式表达，在根基上，观众总是有迹可循。

罗妮·霍恩《This is me, This is you》（局部细节），1997-2000年

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▲「 “Doubling”之思」

冰岛既矛盾又和谐的双重性是罗妮·霍恩钟情此地的原因之一，而在这之后，她将这种复杂的特性不断拓展，催生出了其最具代表性的“双重性”（Doubling）概念。

罗妮·霍恩《鸟》（部分），虹膜与颜料印刷照片、萨默塞特光面纸，55.9×55.9cm（每部分，共10对/20件），1998/2008年

罗妮·霍恩《小丑镜（2）》（Clownmirror (2)），2张彩色合剂印刷，76.2×76.2cm，2001年

早在创作初期，罗妮·霍恩就以一系列成对出现的雕塑作品探讨“双重性”的命题，她将之称为“柏拉图式的形态”（Platonic Forms）。外表相似的成对物体既建立了一种内在的联系，又以不同之处形成了某种伪装，拉开了彼此的距离，正如其所说：“双重性引发了怀疑的情绪。”

罗妮·霍恩《岛，一对与岛》（Island, Pair and Island），实心锻造软铜、不锈钢、喷丸硬化玻璃，3对/6件，1991-1994年（摄影：Stefan Altenburger）

罗妮·霍恩《双莫比乌斯》（第2版），4号9分纯金箔（含2个塑料钉），色带：6.4×152.4×0.002cm（每部分，共2部分）、安装后：6.4×76.2×5cm，2009/2018年

这些成对出现的事物既是独立的个体，又是整体的某一部分，它们相似却又不同，充满了令人困惑的气质，霍恩对此十分着迷。双重的视觉冲击引起观众的好奇心，而好奇心带观众走向观察，由观察产生的怀疑引发了一次次的思考。

罗妮·霍恩《弗里克和弗拉克斯》，纸上水粉/水彩，38.1×28.3cm（每部分，共8部分），2017-2018年（摄影：Ron Amstutz）

罗妮·霍恩《弗里克和弗拉克斯》（局部细节），纸上水粉/水彩，38.1×28.3cm（每部分，共8部分），2017-2018年

芭莎：你对“双重性”的思考从何而来？

罗妮·霍恩：“双重性”的问题最早开始于1997年的《Dead Owl》，之后发展成了作品《鸟》系列。我在颜料绘画中把两幅相似作品切割、重组，最终合二为一，将这一概念延伸至身份隐喻与认同的层面。在雕塑创作中，我总是把两件相同的雕塑分开放置于不同的房间，这之间的空隙又营造出独特的叙事性。

罗妮·霍恩《无题（貂）》（Untitled（Mink）），有色印刷照片、聚酯，每部分76.2×76.2cm，2002年

在罗妮·霍恩眼中，任何事物都具有两两相对应的双重性。在材质上，她依旧践行了这一理念。其如今最具知名度的代表作正是一系列由玻璃铸造的半透明容器，这些重达成百上千斤的重物却在光线的抚摸下呈现出了一种轻盈、通透的美感。

罗妮·霍恩《无题（“有时候我觉得我太像自己了。而我一直都是别人......”）》，实心铸造玻璃、铸态表面，56.2×76.2×91.4cm（每部分，共2部分），2010-2012年

芭莎：如何看待玻璃雕塑系列中强烈的对比性？

罗妮·霍恩：玻璃其实是一种“超液体”的物质，它永远都不会是坚硬的，只是暂时拥有了一种固体形式的外观，这是玻璃身上本就存在的悖论。人们常问：“这些容器的里面是什么？”起初，我对这个问题十分惊讶——因为它就是玻璃。可是后来我才明白，我在创作中人为地为玻璃打造了一个伪装的身份，这种身份的隐藏充满了趣味性。

2018年豪瑟沃斯香港“罗妮·霍恩”展览现场图（摄影：JJYPHOTO）

同一材质在艺术家人为的参与下，表露出了具有矛盾性的外在：重与轻、刚与柔、硬与软……容器的侧壁是未经打磨的粗糙质地，成为了承载的“容器”；而顶部则是如液体般光滑柔亮，这是创作过程中诞生的意外惊喜。两者谁也离不开谁，它们因为彼此而成立，亦成就了彼此。

罗妮·霍恩《Pink Tons》，实心铸造玻璃、铸态表面，122×122×122cm，2008-2011年（摄影：Genevieve Hanson）

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▲「文字游戏」

玻璃中的悖论同样适用于罗妮·霍恩作品中的其它媒介，这种既陌生又熟悉的关系就像一场饶有趣味的捉迷藏，艺术家与观众同样乐在其中。在作品《胡乱智慧》（Hack Wit）中，文字成为了这场游戏的主角。

罗妮·霍恩《胡乱智慧—蛤蜊的世界》，水彩、钢笔、墨水、阿拉伯树胶、水彩纸、透明胶带，55.9×38.7cm，2014年（摄影：Genevieve Hanson）

霍恩把人们熟悉的短语逐个拆解、重组，最初的陈词滥调变成了陌生、无厘头却俏皮的新短语。这场可爱的实验让观众再次审视身边的文字——它们真的是我们认为的那样吗？

2018年豪瑟沃斯香港“罗妮·霍恩”展览现场图（摄影：JJYPHOTO）

芭莎：如何看待文字的多义性？

罗妮·霍恩：因为多义性，文字变得更加依赖语境。多义性的模糊感开辟了更多理解的空间，出现了更多的选择，而歧义也成为了机会的源泉。事情从明确变得不明确，文字间的悖论成为了“双重性”的又一种表现形式。

罗妮·霍恩《当狄金森闭上双眼：第689号零-教会我们-磷》，实心铸造黑色塑料、铝，尺寸可变，1993/2007年

而对文字的关注，更是来源于她对文学的热爱。上世纪现代主义诗歌的先驱之一，艾米莉·狄金森（Emily Dickinson）是她最喜爱的诗人之一：“一种强烈的认同感，使我被她的作品所吸引。”狄金森简短的诗句却承载着整个现实世界的重量，这种直接、透明的风格与霍恩的作品如出一辙。

罗妮·霍恩《当迪金森闭上了她的眼睛：编号1695 孤独空间》，实心铸造黑色塑料、铝，尺寸可变（共8件），1993年

虽然罗妮·霍恩的作品涉及了多种媒介，但她对绘画的感觉始终如一：“绘画是连接所有创作的方式，它是一个动词，涵盖了转换、变形、提取等行为。各种行为组成了关系，建立了观察者与观点之间的联系。”

2018年豪瑟沃斯香港“罗妮·霍恩”展览现场图（摄影：JJYPHOTO）

霍恩是多变的，她从绘画出发，以多种材质与形式构建其漫长而精彩的创作生涯；但她又是纯粹的，所有的创作都为观众提供了事物双重性上思考的空间，而这一命题又涵盖了人与自然、社会，身份的认同与伪装等更加广阔的范围。罗妮·霍恩就像她最热爱的北欧岛国，既在喧嚣中独立于世，又能清醒地读懂世界的本质。

（文章来源于 HauserWirth画廊）