【资讯】邵帆：游弋在与时代的错位中

日期：2018/11/13 至 2018/11/13

”你“——邵帆（昱寒）个展

邵帆（昱寒）小的时候住在胡同大院，到了夏天大家总是围在一起讲故事。月亮在说故事人背后升起，亮尘尘的月光总是把脸衬得乌黑一片的，看不见讲故事人的脸，但声音和着故事带来的情绪起伏，邵帆知道他的表情究竟是什么样子的。

《黑肖像之二》，邵帆，宣纸上水墨，225×175cm， 2018

这一缕碎片成为了邵帆最新的作品某个瞬间：一些没有表情的人脸。这让人有种莫名的期待，在看过那么多的“兔子”之后，有一种新鲜的意象在邵帆的作品里出现了。

他选用了纸和绢创作，并接受两种介质产生不同的结果。“画起来感觉特别不同，纸有一些意外的东西，里面有瑕疵，而绢很少有瑕疵，是不一样的。”对邵帆一笔一缕，纤毫分明，逐渐释放并浸满内在张力的工作方式来说，都是极佳的呈现。

就像邵帆能知道讲故事人的表情一样，在这些看似无表情的面孔里，却依然是有表情的可读性。艺术家从淡往重一层一层画下去，这些表情不断地在变化，尤其在最开始的时候最为强烈，越画到后来这个表情越来越静态化，邵帆会在某一个时间停下来，表情如此便凝固了，水到渠成——他的创作从来都是释放与塑造的过程，而不是某个完成的具象。

“一笔下去，特别舒服，就像完成了网球的完美接球，乐器奏出了最准的音调。这种感受是在创作兔子的时候出现的，并一直延续到了现在。就连对视的感觉也一样存在着。”

毫无疑问，这些新作依然充斥着邵帆赤裸裸的，了无修饰的，清醒的品味和鉴赏力，保持着中国传统文人情怀和审美观的现代化理解。如果说这种东西早已经被历史斩断了，扯烂了，揉碎了，淹没在漫漫的人间烟火里，被民间收容，那邵帆的家便是其中之一。

衣服没有补丁的孩子

对成长于上世纪70年代北京的邵帆来说，艺术从来都不是奢侈品。邵帆的父母都是中央美术学院的教授，“文革”时期被下放到农村。在物质最匮乏的时期，体面的家庭让邵帆在童年时代掀起了不小的波澜，就算是后海的生活圈也不能远离纷扰——比如，在衣服满是补丁学校里，邵帆鹤立鸡群，老师批评他：衣服穿得太好了。

《台兔》，邵帆，布面油画，150×120cm，2011年

但馈赠的物质条件对一二年级的孩子来说是无从拒绝的，显露自然也属于无意识。邵帆为此感到委屈、难受甚至无地自容。他想要一些有补丁的衣服，他想淹在这不起眼儿的大众里，做不被批评的“好孩子”。但从小和他一起生活的姥姥却教育他“不能这样做人”。

姥姥是满族旗人，生于19世纪末, 经历了晚清、民国和新中国的毛时代，姥爷留学日本回国后，死于战乱。此后，她带着3个女儿搬到北京。姥姥的心愿是自己的孩子绝不从政、从军或经商, 她想让孩子们习得一门手艺。

和姥姥一起生活之时，邵帆接触到很多传统的东西。妈妈从小随姥姥学画，邵帆则跟随她学习书法。对于邵帆而言，和姥姥住在一起，深入骨髓的记忆是过去人的生活之美，这些东西犹如种子留在他的心中，让他领略中国传统文化之妙。

邵帆,《曲院风荷》，2004 年作品1 号，（左）；《圈椅》，63 x 55 x 96cm,2013，（右）

邵帆的姥姥留下了很多非常精美的传统服饰，让他从小耳濡目染，而他父亲收藏的古典家具也触手可及。同时代的物件自然不能与明式家具高超的美学造诣相比，老的于新的，对成长于此的邵帆来说天经地义。

成长在与时代的错位中

衣服没有补丁的孩子从来没做错什么，他只是一直被更高的传统审美淬炼着，自然与其他人不一样。但对一个人的成长来说，这种碰撞也意味着撕扯，迷茫与天然的冲突感。

被老师批评后的邵帆觉得自己太懦弱了，他跳入冰冷的水里，然后走路回家，企图获得勇气，做点儿酷的事情。在文革后期，他特别羡慕当时的流氓——热血，躁动，会打架。

到了考大学的年龄，邵帆跑到山里去烧陶瓷，做木雕，当时尚没有过于细分的艺术教育，让他接触到很多和材料打交道的艺术门类，当然也包括水墨和油画。同时期，很多朋友开始出国，回来之后就开始玩儿当代艺术，他虽然羡慕，但却不愿意随大流而去。

《摇篮》，邵帆，布面油画，146 x 115cm，1989年

1995年以前邵帆大都创作油画，这种天然的冲突感仿佛也被带入了作品中。在作品《摇篮》中，缝纫机是邵帆熟悉的，因为姥姥一直在用，对他来说非常亲切，而婴儿的哭泣自然也是常态。没有伤害与疼痛，这两种常态只是放在一起，便造就了这种天然的冲突。

《曲苑风荷》，邵帆，榆木、亚克力，170×130×120cm，2008

在新世纪之初，中国当代艺术在市场上起飞的时候，邵帆转向了家具设计。将明式家具的部件与亚克力等新型材料相互组合，创作了一批装置作品。在完成第一批作品之后，邵帆开始对设计产生了浓厚的兴趣，他以明代家具为载体，创作了大受欢迎并被视为邵帆特征的椅子系列作品，被视作中国当代家具设计的代表。并逐步介入了室内设计、建筑设计和园林设计。

《问山》，邵帆，宣纸上水墨，260×177cm，2016年

而在2008年金融危机之后，艺术市场降温的时候，在设计领域如日中天的邵帆，把创作了又一步步挪回到了架上。赋予“小”动物以极大的自尊，为人所熟知的“兔子”就是这个时期创作出来的。

现在回想起来，邵帆说：“我在每个时代好像都是错位的。”但也许正是以为因为种种错位，才造就这位游走在雕塑、油画、水墨以及园林、建筑、设计之间，而又以鲜明独特的观点、贯串始终的中国当代艺术家。

南下

2018年6月，在德国科布伦茨路德维希美术馆开幕了邵帆回顾性质的展览《你》。在异域的陌生空间里，面对没有传统文化背景的观众，展览呈现一个从过去到现在相对完整的创作作品。

邵帆觉得似乎外国观众更能理解他的画，“因为他们不会将我的绘画特别与水墨相联系，反而中国观众用水墨的眼光会觉得有些看不明白。缺少了水墨的文化背景并不会产生欣赏上的障碍，外国观众会单纯因为我视角的不同而产生兴趣。”

这种空间错位而带来的反差，有些像邵帆喜欢的一种叫辣木籽的果实，入口又苦又涩，配上茶水却是香甜可口。

《水之一》，邵帆， 2007年，布面油画，50 × 50 cm

这个时间画家刘丹曾来北京找过邵帆，问他要不要去苏州博物馆去展示一下。水墨基本上是一个南中国的圈子，邵帆无异于是外来人，并且也不能将他称之为水墨艺术家。南与北，物理上远比去德国来的要近，但因为被赋予传统的观念而显得格外有趣——苏州博物馆之前展出的艺术家，都是来自南方。

邵帆说话轻声，缓慢，雅致，他的创作、生活方式以及待人接物，给人以传统的文人感觉，却不好以文绉绉的词汇去形容，因为他没有一丝陈腐气。与苏州博物馆——这个同样有着现代化传统理解的空间在一起，会觉得两者之间莫名的搭配。

这就像一场漫长的相遇，有些东西被埋到地下太深，不是复兴表层的符号就可以将其打捞而出。他们会自然地破土而出，终将走到一起。

YT专访艺术家邵帆（字昱寒）

艺术家邵帆

YT：这次的展览算回顾展吗？

苏州博物馆邵帆个展“你”现场

邵帆：展览有回顾的性质。这个展一共有三部分，早期的油画，近期的水墨以及立体的作品，雕塑放于站台上可以随机变换观看的方式。展出采用油画和水墨混合展示的方式，突破了绘画媒介的界限。

《兔肖像-庚寅二》，邵帆，布面油画，80 × 60 cm，2010

展览的名称是“你”，第二人称，有一个你我的关系，有“我”才能说到你，就像与兔子的一个对视。先画兔子，就把兔子当人画，人和动物混淆在一起作为出发点。希望透过兔子可以看到人的某些东西。

《草图3》，邵帆，纸、铅笔2013-2016

YT：在兔子作品的草图里还有中轴线，都会压着兔唇，兔唇在正中心。为什么迷恋对称的感觉？你觉得这是一种基调或者美的基础吗？

邵帆：不知道为什么，可能是潜意识的浮现。以前的画里，有一张皇帝就出现过中轴线，我也特别喜欢金字塔的造型。其实在绘画里是回避这些东西的，小时候学绘画的时候，就是要取一个自然的景，不能是一个对称的造型，不像建筑，建筑可以做成对称的。

邵帆《八大鸟意》，宣纸上水墨，175×145cm，2017年

有一些东西未必是有意识去做的，比如说我尽量把时间性抽掉，如果能被感知出这个时代的东西，我会尽可能把它给抽掉，这种选择可能跟艺术家的方式是有关的，比如说现在的艺术家关注时代性，当下感，我可能反而就去关注其他的东西了。

YT：之前的作品里还会关注时事。

邵帆：对，这就是选择，如果说有一个东西变成一个当下的潮流，我会开始主动选择。大家都这么做的时候，我会选择另外的一个方式去做。

邵帆《水》，宣纸上水墨，75×60cm，2015年

YT：草图里还有各种各样的文字，挤在小小的纸上。

邵帆：我画草图都很小，腕动的时候就能够整个把控，草稿画大会让你不能把控，我之前看到有些展览会把草图画的很大，好像就是为了专门展出草稿一样，我觉得那是在对待一张画。草图特别能说明问题，有很多下意识的东西。

YT：为什么会重新回到架上绘画的创作？

邵帆：我懵懂期特别长，四五十岁懵懂期才过。

邵帆《石上老猿》，宣纸上水墨，300×200cm，2016年

邵帆，《明式脚骨》

YT：是想通了什么事情？所以，职业艺术家的身份是近几年才觉醒的？

邵帆：我就想通的比别人晚很多，其实自己从性格上都不是很成熟，我也没有读大学，原来上了美校，接触了一些传统工艺，木雕、漆器包括玉雕、刻图章、书法，就没有纯绘画，很少。但是画画从小我肯定就一直是喜欢画画，这点是没有变的，所以也一直没有着急，想玩什么就玩什么，一旦有了一些想法就开始画。因为到一定年龄以后，其他的东西对你的吸引力就削弱，觉得这个东西更好玩，现在也不喜欢旅游，不太喜欢热闹的聚会。

YT：你怎么理解“雅”？

邵帆：雅的东西不要去刻意的去找，或者说刻意的回避，不管是雅也好俗也好，你不用去惧怕这个东西，当你惧怕你就陷到一个东西里了，一个艺术家的作品应该是更吻合他自己的生活方式和他的生活状态，应该是他的状态的自然回归，这样才是真实的。比如你根据这个市场或者根据现当下最热门的东西，你去做一些事情，那样更接近于产品的生产。比方你做手机，不管你是什么样的人你都可以去做这个东西，那个就更像产品。

卧兔， 2017，宣纸上水墨，140 × 300 cm

YT：在苏博的作品其实跨度时间很长，再次见到这些作品是什么感觉？

邵帆：新鲜感。很多画都是画完就拿走了，突然间把它们都放在一起，就有一种新鲜感，尤其是它们从来没在一起放过，同时放在一起看的时候，也有陌生感的，发现它们情绪都是在某一个状态里，其实当时每画一张，都可能时间隔的挺长的。因为有时候我画一张油画，突然间有一个想法，就会扭头去做立体的作品，两三个月后，然后又画一张别的，状态都是一段一段的过来。

YT：康德给自己的情妇写过在六年里写过六封情书，一年一封，现在读起来，像阅读微信一样紧凑流畅，仿佛在同一个时间里发出的。回看某一段过时间的时候，时间会自己打开通道。

邵帆：这么长时间的东西放在一起，反过来通过这个东西再反观自己，像一个镜子一样，更多的去认识自己的状态，和你一张一张画的时候是不一样的，突然间你是这么一种东西，就可能更有其他的方式告诉你，自己是一个什么样的人，或者一个状态。

就是当你进入到某一个状态里的时候，进入到以前曾经的状态的时候，这时候你一下就跟那时候连接了，因为人是碎片化的，见朋友或者是采访或者是去旅游、工作，或者探亲，都是一段一段，比如你以前旅游去了一个黄山，过了五年又去那，同一个状态你就把以前接上了，瞬间就给接上了，或者说你进入工作状态的时候，也能够接上去，就把中间这些东西删除掉了，对接到另外那个状态里面，同等状态是互相对接的。

邵帆《长眉罗汉》，布面油画，210×170cm，2011

YT：但你现在还有很多作品没有连接上，很难找回了。那个时候应该还没有现在艺术家的工作方式，我会留一张作品，会记录一下，可能画的时候已经想好回顾展怎么做了。

邵帆：跟现在年轻艺术家是不一样的，他们都有这样的意识，包括他们的草稿，他们的笔记，会整理的非常好，我们那时候连照片都是特别小的照片，都不好印，就留了一张照片，画都不知道哪儿去了。80年代的几张画，有些连照片也没有了。

YT：可惜吗？

邵帆：也没有太可惜。

YT：这就是你的生活方式，画就画了。

邵帆：对。

你苏州博物馆

邵帆（昱寒）

2018.11.10-2019.1.3

（文章来源于YT新媒体）